Créée par Bethesda en 1994, la série de jeux The Elder Scrolls (rarement traduit en français, par coutume) est l'incontournable du genre RPG. Plongeons-nous dans sur les terres de Tamriel, l'un des continent de Nirn, sur lequel se déroule la majorité des différentes histoires que le joueur traverse durant 5 jeux (+ des DLC) et une poignée d'épisodes dérivés. The Elder Scrolls (ou TES) premier du nom, Arena, est développé en 1994 ; suivi par TES Daggerfall en 1996 ; le TES III Morrwind sorti en 2002 connait une grande popularité qui reste solide malgré le temps qui passe ; le TES IV Oblivion, sorti en 2006, a également rencontré un large public ; quand au TES V Skyrim, sorti en 2011, le magazine japonais Famitsu lui a donné la note de 40/40 a sa sortie, une première pour un jeu non japonais, pour dire le sort populaire et critique donné à cet épisode. The Elder Scrolls s'est aussi vu développé en MMORPG, nommé The Elder Scrolls Online, sorti en 2014, toujours en exploitation avec des extensions prévues encore en 2025. Un jeu mobile/android est disponible depuis 2019 et porté sur Nintendo Switch en 2020, The Elder Scrolls : Blades. Enfin, il existe également un jeu d'ordinateur de cartes à collectionner, The Elder Scrolls : Legends, développé en 2017. On passera sur la poignée d'épisodes dérivés (Battlespire sur PC en 1997 ; Redguard en 1998 ; les trois jeux The Elder Scrolls Travels en 2003-2004)

  LES PEGASES : trophées et cérémonies du Jeu Vidéo français "Depuis 2020, la Cérémonie des Pégases est l’événement annuel organisé par l’Académie des Arts et Techniques du Jeu Vidéo. La cérémonie récompense les acteurs et actrices de l’industrie du jeu vidéo avec plusieurs trophées." peut-on lire en guise d'ouverture sur le site internet de l'Académie des Arts et Techniques du Jeu Vidéo. Cette entité rassemble les professionnels français de l'industrie du Jeu Vidéo pour faciliter des rencontres et des afterworks autour des enjeux de toutes les professions concernés. Entre autre mission, l'Académie organise chaque année une cérémonie avec la remise de différents trophée pour mettre en avant la fine fleur et la réussite du Jeu Vidéo à la française et à l'internationale.     [caption id="attachment_38529" align="aligncenter" width="600"] Visuel qualitatif montrant le trophée du Pégase : fabriqué par la fonderie d’art Macheret, il est en bronze avec une finition plaquée or sur un socle en résine laquée noire.[/caption]     LE JEU VIDÉO ET SA CÉRÉMONIE DU MÉRITE ARTISTIQUE L'idée d'une cérémonie annuelle de récompenses dans l'industrie du Jeu Vidéo n'est pas née hier : les Tilt d'Or du magazine éponyme ont proposé une série trophées annuels entre 1983 et 1993, puis les Milthon du Jeux Vidéo entre 2007 et 2010 avant de fusionner avec les Trophées de la Paris Games Week, ou encore les Pings Awards qui ont été actifs entre 2013 et 2020 et qui n'ont pas reprit depuis l'arrêt forcé dû au Covid-19. A lire un article des Pixels du journal Le Monde, qui fait l'historique et la critique des cérémonies françaises de récompenses de l'industrie du JV : Des "Tilts d'or" aux "Pégases", l’histoire cabossée des Oscars du jeu vidéo à la française. Ainsi, lorsque le Syndicat National du Jeu Vidéo (SNJV) a eu l'ambition en 2019 de proposer une nouvelle cérémonie de récompenses du mérite de l'industrie du Jeu Vidéo, d'une part la première cérémonie des Pégases s'est déroulée le même mois, en Mars 2020, que les Pings Awards, d'autre part il a fallu repenser le fonctionnement même de la remise des trophées. Organiser la cérémonie comme celle des Césars, pour le cinéma, semble dès le départ clair à l'esprit de la présidence du SNJV. Ainsi, l'Académie des Arts et Techniques du Jeu Vidéo est créée, avec l'ambition d'accueillir plus de 1000 académiciens qui formeront le jury votant pour les jeux à récompenser d'un Pégase :   [caption id="attachment_38527" align="aligncenter" width="912"] Photo de présentation de la cérémonie, crédit Académie des Arts et Techniques du Jeu Vidéo[/caption]   La désignation des vainqueurs est réalisée tous les ans non par un jury restreint, mais par les plus de 1500 membres de l’Académie des Arts et Techniques du Jeu Vidéo, qui votent en deux tours. Le vote de chaque membre est secret. Lors du premier tour, les académiciennes et académiciens votent pour désigner les nommés parmi tous les jeux soumis par les studios de développement, éditeurs et organismes de formation (pour le Pégase du Meilleur jeu vidéo étudiant). Au cours du second tour, le même corps électoral vote pour un nommé dans chaque catégorie, excepté pour la catégorie du meilleur jeu vidéo étudiant, notre comité de pilotage votera. L’agrégation de l’ensemble de ces votes permet ensuite de déterminer le lauréat de chaque catégorie, dont le nom est révélé lors de la Cérémonie des Pégases. (https://academiejeuvideo.org)   [caption id="attachment_38528" align="aligncenter" width="800"] 4 Pégases pour Prince of Persia : The Lost Crown d'Ubisoft Montpellier lors de la cérémonie de 2025, crédit photo AFJV[/caption]   LA CÉRÉMONIE ET SES TROPHÉES « On ne voulait pas quelque chose de connoté, qui puisse vieillir six mois plus tard, comme les manettes d’or ou un logo pixélisé. On voulait représenter l’élan du jeu vidéo, indépendamment de la dimension technologique. On cherchait quelque chose de classique et d’intemporel. Pégase symbolise la renommée et la création poétique, ainsi que l’innovation. » décrit le président des Pégases, Lévan Sardjevéladzé. Depuis 2020, la cérémonie des Pégases se déroule en Mars, à Paris, et offre 18 trophées pour récompenser des jeux vidéo sortie dans l'année écoulée. Voici la liste des prix : Meilleur jeu vidéo Meilleur jeu vidéo indépendant Meilleur jeu vidéo mobile Meilleur premier jeu vidéo Meilleur jeu vidéo étudiant Au-delà du jeu vidéo Excellence visuelle Meilleur univers sonore Excellence narrative Meilleur game design Meilleure innovation technologique Meilleure accessibilité Meilleur service d’exploitation (“game as a service”) Prix d’honneur Personnalité de l’année Meilleur jeu vidéo étranger Meilleur jeu vidéo indépendant étranger Meilleur jeu vidéo mobile étranger     En 2020, c'est le jeu A Plague Tale : Innocence, développé par Asobo Studio, qui a été la vedette en remportant six trophées : prix de l’excellence visuelle, prix du meilleur univers sonore, prix du meilleur game design, prix du meilleur univers de jeu vidéo, prix des meilleurs personnages et le prix du meilleur jeu vidéo. En 2021, la cérémonie était en direct sur Twitch et diffusée sur la chaine de télé MGG TV. Microsoft Flight Simulator a été le plus multirécompensé : meilleur jeu, excellence visuelle et meilleure service d'exploitation. En 2022, deux jeux sortent du lot, Deathloop, développé par Arkane Studios, et Road 96, développé par DigixArt, qui reçoivent chacun d'eux 5 trophées. Le meilleur jeu élu étant Deathloop. En 2023, deux jeux sortent également du lot, A Plague Tale : Requiem, développé par Asobo Studio, reçoit quatre trophées tandis que Stray, développé par BlueTwelve Studio, est sacré meilleur jeu, ainsi que meilleur jeu indépendant et meilleur premier jeu. En 2024, deux jeux sont aussi à l'honneur : Chants of Sennaar, développé par Rundisc, est sacré meilleur jeu, ainsi que meilleur jeu indépendant et meilleur game design, et Soldats inconnus : Frères d'armes, développé par Ubisoft, reçoit trois trophées (meilleur jeu mobile, au-delà du jeu vidéo et excellence narrative). En 2025, enfin, Prince of Persia : The Lost Crown, développé par Ubisoft, est sacré meilleur jeu et remporte les prix du meilleur game design, de la meilleure accessibilité et du meilleur univers sonore.     La cérémonie des Pégases n'est pour autant pas qu'une cérémonie : des développeurs profitent de l'occasion pour donner des exclusivités ; les écoles de formation française sont toujours représenté et mettent en avant ce sur quoi repose l'avenir de l'industrie ; enfin la cérémonie a également son petit lot de spectacle comme en 2020 lorsque la musique Father, composée par Olivier Derivière, de A Plague Tale : Innocence, a été interprété en direct par Gaëdic Chambrier et Chloé Chaumeron.  

Depuis sa première apparition dans les années 1980, Mario est passé du statut de simple héros de jeu vidéo à celui d’icône mondiale de la culture populaire. Derrière sa casquette rouge et sa moustache emblématique se cache un empire financier colossal qui s’étend bien au-delà des consoles. Jeux, produits dérivés, parcs à thème et films d’animation composent un écosystème d’une richesse rare dans l’industrie du divertissement interactif.   Une franchise née dans les salles d’arcade La trajectoire commerciale de Mario trouve ses racines dans les salles d’arcade, un univers où la logique du gain et du hasard a souvent croisé celle du jeu vidéo. Les modèles économiques issus de secteurs numériques voisins, comme les plateformes de divertissement et même certaines interfaces de jeux d’argent en ligne, partagent des méthodes similaires de fidélisation et de fluidité d’expérience utilisateur. Ce parallèle est visible dans la manière dont Nintendo surveille la conception de ses environnements numériques, à la fois ludiques et sécurisés. L’innovation en matière de transactions digitales s’observe aussi dans des environnements comme le meilleur casino en ligne, où s’expérimentent des systèmes de paiement rapides, des protocoles de vérification KYC rigoureux et des structures de restitution (RTP) transparentes. Ces standards de contrôle inspirent indirectement d’autres formes de plateforme interactive cherchant à protéger l’utilisateur tout en maximisant la fluidité du parcours joueur, un principe que l’on retrouve également dans la philosophie des jeux de Nintendo.   Des jeux à la rentabilité constante Chaque nouveau titre de la série Super Mario contribue à consolider la santé financière du groupe japonais. Contrairement à d’autres licences qui s’essoufflent après quelques itérations, la saga parvient à renouveler son intérêt grâce à une compréhension fine des attentes des joueurs. Des titres récents mélangent aventure classique et mécanismes d’exploration novateurs, tout en restant accessibles à un public de tous âges. Cette stabilité commerciale repose sur une recette éprouvée : mécaniques simples, contrôle précis et constante impression de progression. Avec plus de 400 millions d’exemplaires écoulés sur différentes plateformes, la rentabilité dépasse la simple vente de copies physiques pour se prolonger dans les versions numériques, souvent accompagnées de contenus additionnels payants, consolidant ainsi les marges à long terme.   Le poids des produits dérivés et du marketing Mario génère des revenus considérables à travers un éventail de produits sous licence : figurines, peluches, vêtements et même accessoires de haute technologie. L’image du plombier italien s’est imposée comme un symbole de convivialité et de nostalgie, deux vecteurs puissants de consommation émotionnelle. La collaboration avec de grandes marques s’inscrit dans une stratégie de diversification maîtrisée : conserver une cohérence visuelle tout en étendant la portée du personnage à de nouveaux secteurs. Les jouets interactifs et la réalité augmentée ont récemment renforcé cette approche, offrant des expériences hybrides entre jeu physique et univers numérique. Le marché des collections Mario continue d’attirer même des acheteurs n’ayant jamais joué à un jeu vidéo, preuve du rayonnement culturel de la marque.   Des parcs à thème à l’écran de cinéma La transformation de Mario en attraction touristique illustre la volonté de Nintendo de voir sa franchise dépasser le support console. Les parcs à thème dédiés au Japon et aux États-Unis traduisent une stratégie immersive où les visiteurs peuvent vivre un épisode de Mario “réel”. Ces structures nécessitent des investissements colossaux mais offrent un retour sur image considérable : ventes souvenirs, restauration inspirée du jeu et attractivité touristique renforcent la fidélité des fans. Le film d’animation consacré à l’univers de Mario a poursuivi cette expansion médiatique, cumulant au box-office des résultats records pour une adaptation vidéoludique. L’univers, désormais multipolaire, forme un cycle économique complet allant de l’écran au terrain, puis retour au numérique, sans jamais affaiblir le capital affectif du personnage.   L’équation économique d’un succès durable L’empire Mario repose sur une intégration verticale rare : conception, distribution et exploitation des produits dérivés sous un seul contrôle industriel. Nintendo a ainsi maintenu un équilibre délicat entre innovation et préservation d’un patrimoine ludique. Chaque décision commerciale s’appuie sur des études comportementales précises : temps de jeu moyen, réaction aux mises à jour, élasticité du prix. Ces données alimentent un modèle où le joueur devient à la fois consommateur et ambassadeur culturel. Dans un paysage où l’attention est une ressource, le fait de pouvoir engager plusieurs générations à travers la même figure emblématique constitue un atout stratégique majeur. L’entreprise joue la prudence sur les microtransactions et privilégie la qualité perçue à la rentabilité immédiate, consolidant ainsi la confiance du public.   Une image contrôlée dans un marché concurrentiel Le succès de Mario s’explique aussi par une absence de scandale ou de saturation médiatique. Nintendo investit massivement dans la maîtrise de son image : contrôle de la distribution, modération stricte des collaborations et refus d’associer la franchise à des contenus violents. Cette rigueur a permis de traverser quarante ans de mutations technologiques sans altérer la symbolique initiale. Pendant que d’autres studios misent sur le réalisme et les univers narratifs complexes, Mario maintient sa formule centrée sur la mécanique du plaisir immédiat. Ce positionnement stable rassure les investisseurs, qui voient dans la franchise un produit à cycle long, moins dépendant des fluctuations de mode. Dans l’économie du divertissement, rares sont les licences à offrir une telle régularité de performance, une prouesse rendue possible grâce à la clarté éditoriale et à la reconnaissance intergénérationnelle de la marque.

  FINAL FANTASY : DOUCE MUSIQUE À NOS OREILLES Si la qualité des jeux Final Fantasy est de plus en plus pointée du doigt au fil des opus, celle de sa musique demeure intouchable et tout bonnement inattaquable.  Tatatatam Tata Tatatam ! Ce thème, vous le connaissez. Vous l'avez même tellement entendu qu'on prend le pari que vous l'avez chanté en le lisant. Vous l'avez, il s'agit bien entendu de la fameuse "Victory Fanfare", le jingle de victoire systématiquement repris dans chaque opus de Final Fantasy depuis 1987. L'aura de cette mélodie est telle qu'à l'instar des thèmes de Super Mario Bros et The Legend of Zelda, même ceux qui n'ont jamais joué à un jeu FF de leur vie sont capables de la reconnaître. Tout ça pour dire qu'à elle seule, cette séquence de neuf notes témoigne de la magie sonore qui façonne la légendaire saga de JRPG créée par Hironobu Sakaguchi et éditée par Square Enix depuis près de quatre décennies. Une prouesse et un savoir-faire que l'on doit à une poignée de compositeurs de renom, mais avant tout à la sensibilité d'un seul homme : Monsieur Nobuo Uematsu. LES MUSICIENS DE LA LUMIÈRE Architecte sonore du premier opus de 1987 jusqu'à Final Fantasy XI en 2002, Nobuo Uematsu a effectivement porté sur ses épaules l'habillage musical de quasiment tous les jeux de la franchise FF (spin-off compris) pendant plus de quinze ans. Pour quiconque souhaiterait à tout prix le mettre dans une case, il serait à ranger dans la catégorie des compositeurs de l'école classique/néoclassique. Ceci dit, sur le plan purement stylistique, le Japonais a tout de suite cherché à donner à ses compositions un petit truc en plus qu'il a puisé chez les grands compositeurs de l'époque romantique. D'ailleurs, le musicien n'a jamais caché s'inspirer le plus souvent de son ressenti personnel et de ses propres émotions, lui qui admet également parfois être influencé par les lieux où il compose. Son goût pour la musique populaire le pousse également à exploiter des compositions allant du folk jusqu'au metal (il est lui-même d'ailleurs membre de plusieurs groupes de power metal, The Black Mages et The Earthbound Papas), en passant par la musique traditionnelle voire véritablement électronique et new age. [caption id="attachment_38781" align="alignnone" width="1600"] Nobuo Uematsu, le père des musiques de Final Fantasy[/caption] Mais qu'importe le genre musical qu'il touche, ce qui prime pour lui, c'est donc l'émotion brute apportée par la mélodie plus que la richesse et la succession de couches musicales. Une vision qui lui a parfois valu quelques critiques, certains qualifiant ses compos de simplistes, voire basiques. Un argumentaire appuyé par le fait qu'Uematsu a d'abord composé sur des machines techniquement limitées, la NES et la SNES en tête. L'arrivée de la PlayStation et du support CD sur le marché des consoles lui a ensuite permis de faire fi de toutes ces contraintes et d'exprimer toute l'étendue de son talent sans aucun compromis. C'est ainsi, en couplant sa sensibilité personnelle à son expertise mélodique, qu'Uematsu est parvenu à donner à Final Fantasy des thèmes et des leitmotivs plus marquants les uns que les autres. Entre les thèmes de personnages poignants, les musiques de combats tantôt épiques, tantôt extravagantes, et les mélodies propres aux environnements qui nous transportent instantanément dans ces mondes pourtant fictifs, le répertoire du génie nippon est aussi riche que magnifique, et surtout distributeur d'émotions intenses pour de nombreux joueurs. Le grand maître Nobuo Uematsu continuera d'officier en tant que compositeur en chef de la musique des Final Fantasy jusqu'à sa démission de chez Square Enix en novembre 2004. Quand bien même il a signé et signe encore ponctuellement quelques morceaux pour les jeux de la saga, c'est plus ou moins à cette période que les fans considèrent que Final Fantasy est entrée dans ce qu'ils appellent "l'ère du déclin". Une période durant laquelle la magie de la formule FF s'est quelque peu essoufflée, la faute entre autres à des histoires moins audacieuses, des personnages moins bien écrits et quelques égarements de gameplay par ci par là. Encore aujourd'hui, la saga continue de se chercher, mais rassurez-vous, ses OST, elles, n'ont rien perdu de leur superbe. Tout simplement parce qu'après qu'Uematsu a quitté le navire, la relève a été assurée par plusieurs compositeurs différents, mais tout aussi talentueux. Des Avengers de la musique, ou dans le cas présent, des Guerriers de la Lumière qui se sont chargés de tenir la barre. Là, tout de suite, on pense notamment à Masashi Hamauzu pour son travail sur Final Fantasy X, Final Fantasy XIII et la trilogie Final Fantasy VII Remake (aux côtés de Mitsuto Suzuki), à Naoshi Mizuta et Kumi Tanioka sur Final Fantasy XI, à Hitoshi Sakimoto et ses œuvres sur Final Fantasy XII, aux élans rock de Takeharu Ishimoto dans divers spin-off de la série ou encore à la virtuosité d'une Yoko Shimomura dont les skills au violon et au piano ont magnifiquement habillé l'épisode Versus XIII et accompagné le voyage épique de Final Fantasy XV. La dernière figure majeure à avoir rejoint l'armada musicale de l'éternelle ultime fantaisie de Square Enix n'est autre que Masayoshi Soken, dont la pâte dark fantasy mêlant musiques oppressantes et grandiloquentes ont façonné l'habillage sonore du MMO Final Fantasy XIV et de ses nombreuses extensions, ainsi que celui du dernier FF numéroté en date, Final Fantasy XVI. [gallery ids="38784,38783,38782"] Clairement, Square Enix peut remercier ses musiciens de génie pour les travaux. Tout simplement car c'est à eux que l'éditeur doit les fondations d'un véritable empire musical dont le prestige est sans égal dans le champ du JRPG et même du jeu vidéo. LIMIT BREAK MÉLODIQUE Prenez ce chiffre pour vous faire une idée : D'après Discogs, le site de recensement de référence du patrimoine musical mondial, Square Enix Music, la branche musicale et maison de disque de l'éditeur japonais donc, rassemble un total de 317 projets, dont pas moins de 202 sont relatifs à la licence FF. Dans le lot, on trouve des OST originales, des vinyles, des best of, des projets lives, des compilations de remix et d'arrangements divers allant de l'acoustique au métal, en passant par la folk, la lo-fi et le jazz. En somme, il y en a vraiment pour tous les goûts. "Pour vous détendre pendant vos jours de congés, pour réviser ou vous accompagner pendant vos heures de travail, nous vous invitons à apprécier et à vous plonger dans la musique de ces jeux cultes. Ceux qui vous ont laissé des souvenirs inoubliables, mais aussi ceux que vous n'avez encore jamais faits et qui vous ont toujours fait de l'œil." Ce discours d'intention est issu de la description officielle du label sur les différentes plateformes musicales et témoigne de la confiance de la marque en ses musiques. [caption id="attachment_38785" align="alignnone" width="690"] Le logo officiel du label Square Enix Music[/caption] Comment leur donner tort quand on constate qu'à l'heure où nous écrivons ces lignes, Square Enix Music cumule près de 1,2 million d'auditeurs mensuels rien que sur Spotify ? Ajoutez à ces chiffres ceux des autres plateformes de streaming ainsi que les millions de vues/écoutes cumulées sur la chaîne YouTube officielle du label, et vous comprendrez pourquoi les musiques de l'éditeur, et tout particulièrement celles de Final Fantasy, ont largement leur place au Panthéon des OST les plus cultes de l'histoire du jeu vidéo. Et c'est justement parce que celles-ci sont si populaires auprès des joueurs que le studio a décidé de les mettre en valeur. D'abord avec les jeux vidéo Theatrhythm Final Fantasy.  On parle ici d'une série de jeux de rythme dans laquelle on joue avec les nombreux thèmes musicaux de la licence du premier jeu de 1987 jusqu'à FFXVI, en passant bien sûr par Final Fantasy VII Remake et les nombreux spin-off de la saga. Pour que vous vous rendiez compte de l'ampleur du phénomène, apprenez que Final Bar Line, le dernier volet en date sorti en 2023, nous offre pas moins de 385 morceaux dans son bundle de base. Un chiffre qui peut monter jusqu'à 505, en comptant tous les packs de contenu additionnel achetables in game. Vous l'aurez compris, c'est un must have pour les fans, un véritable buffet musical pour quiconque vibre aux mélodies de Final Fantasy. Proposer un musée sonore ludique à la gloire de sa licence phare, c'est déjà grandiose. Mais au-delà du JV, quel meilleur moyen pour promouvoir son patrimoine musical que de le faire résonner dans les plus grandes salles de concert du monde ? C'est dans cette optique que depuis 2007 (soit bien avant que les concerts de musiques de jeux vidéo ne deviennent monnaie courante), Square Enix a créé l'événement Distant Worlds: Music from Final Fantasy. Derrière ce nom aux sonorités presque mystiques se cache en fait une tournée mondiale de concerts dirigée par le compositeur et chef d'orchestre américain récompensé aux Grammy Awards, Arnie Roth. Sur scène, il accompagne un orchestre philharmonique dans l'interprétation de réarrangements symphoniques des morceaux les plus mémorables de la série. Cerise sur le gâteau, ces concerts sont souvent, voire systématiquement agrémentés de guests prestigieux. D'un côté, les interprètes originaux de certains thèmes chantés iconiques de la saga, de l'autre, les compositeurs des OST qui font le déplacement en personne. Pour le plus grand plaisir des fans. Non content de représenter un vrai moment de communion et d'émotion pour les fans, ces concerts ont aussi donné naissance à plusieurs albums : à ce jour, sept disques officiels numérotés Distant Worlds sont sortis. Ces derniers reprennent en fait les meilleures performances live de la troupe depuis 2007. D'autres projets dérivés hors-série ou plus thématiques sont également disponibles, à l'instar des albums Returning Home et Coral, ce dernier célébrant les 35 ans de la franchise.     Le phénomène est tel qu'en France, Distant Worlds a aussi fait des émules. En effet, de plus en plus de troupes professionnelles françaises passionnées produisent à leur tour leur propre concert hommage à la saga d'Hironobu Sakaguchi. S'il fallait vous en conseiller quelques-uns, on partirait les yeux fermés sur L'Écho de l'Ultime Fantasy du groupe de rock mélodique toulousain Neko Light Orchestra et sur le tribute au piano Crystalline Resonance. Deux salles, deux ambiances comme on dit, mais soyez sûrs que la puissance émotionnelle et musicale de ces deux shows made in France saura vous embarquer à coup sûr dans un voyage musical inoubliable. Plus largement, les musiques de Final Fantasy ont dès leurs premières notes imposé un standard de qualité élevé dans le spectre des OST de JRPG et de jeux vidéo en général. Le piano mélancolique de "To Zanarkand" (FFX), l'iconique et chaotique thème de Sephiroth "One Winged Angel" (FFVII), l'opéra grandiose de Final Fantasy VI, le sublime "Melodies of Life" de FFIX, le magnifique "Nascent Requiem" de FFXIII, ou encore les incontournables thèmes du Prélude ou des Chocobos repris dans chacun des épisodes de la franchise devraient suffire à vous convaincre. Il y en a d'autres bien sûr, beaucoup d'autres qui mériteraient votre écoute, mais si ces quelques morceaux déjà ne suffisent pas à vous toucher en plein cœur, pas même la lame d'un Tomberry ne saura transpercer le cristal froid de votre organe nimbé de ténèbres. https://youtube.com/shorts/JKe-X1Zio8A?si=JMva33FgM_Fkgyhj  

  PIX FESTIVAL : le pixel dans tous ses états d'art ! Le Salon professionnel Pix Festival propose depuis 4 éditions un lieu de rencontres et d'échanges pour les professionnels de l'industrie culturelle et créative, le Jeu Vidéo y est forcément invité ! Ce salon se destine a offrir des opportunités de "business", en plus de l'exposition des actualités et des nouveautés dans le secteur de l'industrie audiovisuelle, d'où l'organisation de showroom pour les entreprises, d'une soirée networking et d'un job dating appelée "Meetup Talents".   [caption id="attachment_37901" align="aligncenter" width="530"] Bandeau du Salon Pix Festival de 2025[/caption]   LE MIROIR DU SECTEUR D'ACTIVITÉ Le Salon, gratuit, est organisé en "villages" sur une partie de l'espace disponible à Plaine Images à Tourcoing (Nord-Est de Lille) qui est de 50 000m². Il y a eu pour la quatrième édition en 2025, 5 villages : le village jeux vidéo, le village Music Tech, le village VR, le village audiovisuel et le village Ed Tech (technologies éducatives).   [caption id="attachment_38767" align="aligncenter" width="723"] Stand de démonstration de la VR[/caption]   Quelques 150 entreprises étaient attendues et une cinquantaines de prise de parole, soit sous la forme de conférences/masterclass, soit des ateliers, dans le cadre de parcours sous les thématiques suivantes : Audiovisuel et Média ; Design ; Entrepreneuriat ; Jeu ; Music tech ; Recrutement et RH. Une invité très populaire a été la star médiatique du Salon cette année, Brigitte Lecordier, comédienne et doubleuse connue pour la voix française de Son-Goku a animée un atelier sur le doublage. [caption id="attachment_37900" align="aligncenter" width="628"] Affiche de l'événement avec une vue des sujets et thématiques abordées par la programmation[/caption] Ainsi le Salon Pix Festival essaye de proposer aux visiteurs professionnels un large et complet panel de l'industrie française dans la culture et la création, il y a autant à voir dans le monde du jeu vidéo que dans la musique ou bien dans la BD numérique. On voit aussi et surtout tous les liens pratiques qu'il y a entre l'industrie du jeu vidéo et celle de la musique par exemple, l'une et l'autre sont liées. Il ressort également que toutes les industries ont les même problèmes, que cela soit l'essor de l'IA et sa rencontre avec la créativité artistique ou bien la destruction d'emplois, que de l'emploi, justement, et les évolutions des RH. Il y a également des conférences et ateliers spécifiques à chaque milieu. Pour l'édition 2025 dans le village Jeux vidéo, il a été proposé des conférences au sujet de "Y-a-t'il une vie en dehors de Steam pour les jeux Indé ?" ; ou encore une présentation de Dofus 3 par le producteur chez Ankama. [caption id="attachment_37902" align="aligncenter" width="674"] Photo de l'intérieur de Plaine Images, lieu du Salon Pix Festival[/caption]   Prochaine édition en 2026 : du 7 au 9 Avril !   [caption id="attachment_38768" align="aligncenter" width="656"] Entrée du Village Jeu Vidéo[/caption]   TABLEAU RÉCAPITULATIF DES ÉDITIONS   EDITION ANNUELLE SURFACE D'EXPOSITION NOMBRE D'EXPOSANTS NOMBRE DE PARTICIPANTS 2022 700m² ? environ 2000 2023 700m² ? environ 2000 2024 700m² 25 2300 2025 700m² 55 2500